L’exposition invite à une déambulation visuelle et sonore, en partie chronologique, dans laquelle le visiteur se laisse porter par la magie du récit, alternant des évocations fantastiques et des retours à la réalité. Elle rassemble des oeuvres issues des collections du musée du quai Branly et de prêts provenant de collections françaises et allemandes.

Peintures, dessins, sculptures, photographies, célèbres ou insolites... La manifestation réunit environ 120 chefs-d’œuvre de l’art occidental, de la Renaissance à nos jours, avec un parti pris radical et inédit : ne montrer que des œuvres où l’animal est représenté seul et pour lui-même, hors de toute présence humaine. Cette merveilleuse ménagerie, scénarisée dans un souci de clarté et d’accessibilité à tous les publics, mêlera le sauvage et le domestique, l’étrange et le familier.

L’exposition « La photographie pour un autre monde » présentera les expérimentations photographiques de Charlotte Perriand (1903-1999), plus connue en tant que designer et collaboratrice de Le Corbusier et Pierre Jeanneret. L’exposition du musée Nicéphore Niépce est intégralement consacrée à son œuvre photographique. On pourra y voir un très grand nombre de tirages d’époque, des reconstitutions à l’échelle de ses frises photographiques, et une série inédite intitulée «L’Art brut».

Cette exposition-dossier consacrée à Thomas Cole (1801-1848) et à la naissance du paysage américain constitue la première étape d’une collaboration entre le musée du Louvre, le Crystal Bridges Museum of American Art de Bentonville (Arkansas), le High Museum of Art d’Atlanta et la Terra Foundation for American Art. Ce projet de collaboration de plusieurs années est fondé sur un programme d’échanges d’œuvres, mais aussi sur des projets éducatifs et scientifiques.

Première grande exposition monographique consacrée à Edgar Degas (1834-1917) à Paris depuis la rétrospective de 1988 au Grand Palais, Degas et le nu participe de l'ambition du musée d'Orsay de donner à voir l'avancée des connaissances sur les grands maîtres de la deuxième moitié du XIXe siècle, après les hommages à Claude Monet (1840-1926) et Edouard Manet (1832-1883).

Considéré comme l'un des artistes les plus emblématiques du génie finlandais au tournant des XIXe et XXe siècle, Akseli Gallen-Kallela n'a jamais fait l'objet d'une exposition monographique en France.

L’exposition du Petit Palais présente 98 de ses peintures et dessins de 1928 à 1939 : animaux fantastiques, visages peints avec tendresse, paysages, scènes d’autant plus énigmatiques qu'elles n'ont pas de titre. Fantasques et imprévus, les thèmes abordés dans l'exposition plongent le visiteur dans les sources de son inspiration. L'artiste nous dévoile une histoire narrative, un langage visuel poétique et musical, des portraits empreints de mystères, des paysages aux couleurs chatoyantes.

L’Inde est un lieu Divin, empli de sons, d'odeurs, de goûts et de sensations. Un pays d'une grande beauté et parallèlement d'une laideur picturale. Mais au-delà de sa brutalité, ses ombres et ses lumières ne peuvent que nous éveiller. C’est au sein de ce pays fascinant, hors du temps et des repères occidentaux que j’ai été témoin d’une expérience riche d'échanges de regards; des regards qui en disent long, des regards qui s’épargnent de paroles…profonds, généreux…sans artifices et faux-semblants. De celui qui apporte la sérénité en un instant malgré le tumulte et le chaos environnant…..A cet autre qui m’apporte exaltation, sans qu’aucun mot n’ait été prononcé. Ces regards resteront à jamais gravés dans mon âme, ces yeux ancrés dans le présent qui parfois ressemblent étrangement aux yeux des icônes de l'hindouisme; empreints de toutes les émotions de la création.

Près de vingt et un ans après la disparition de son épouse Isabella en 1990, la Fondation Giorgio et Isa de Chirico lègue soixante et une œuvres à la Ville de Paris. Ce legs a été rendu possible grâce à l’exposition Giorgio de Chirico, la fabrique des rêves présentée au Musée d’Art moderne en 2009 qui a montré toute la cohérence de l’œuvre de l’artiste, son talent d’inventeur audacieux et son mépris des conventions jusqu’à la fin de sa vie. Cet ensemble exceptionnel comprenant trente peintures, vingt dessins, et onze sculptures qui témoignent d’une metafisica toujours opérante, s’intègrera dans le parcours des collections permanentes (niveau 2, salle 8).

Götz Göppert, photographe allemand, travaille pour différents clients en Allemagne et en France. Il consacre aussi beaucoup de son temps à des projets photographiques personnels. Voyageur compulsif, il sillonne le monde aussi bien que l'univers de ses proches avec pour seul but de se laisser happer par le beau et l'inhabituel, rapportant au gré de ses échappées une documentation de ce qui l'entoure. Un cabinet de curiosités quotidiennes qui interpellent par leur esthétisme brut et qu'il capte en panoramique, sa "fenêtre avec vue" et seul format à pouvoir restituer quasi à l'identique ce que perçoit l'œil humain. Le sien a pour principe de ne se détourner de rien et de donner à toute chose la poésie du temps suspendu.

William Ropp présente une sélection d'une vingtaine de photographies ponctuant 20 années de travail. De l'obscurité révélatrice du studio aux vastes étendues africaines, en passant par les villages du Mexique, ici, ailleurs, partout, il détaille les fils d'une obsession pour l'homme dépouillé de ses artifices, pour la chair sombre et difforme du désir, pour l'enfance inquiète ou solaire. Aujourd'hui, après des années consacrées au noir et blanc, William Ropp opte pour la couleur dans des portraits où la pause comme la technique sont inspirées par la peinture classique.

Pendant trois jours Dominique Issermann a photographié Laetitia Casta, à Vals, dans les Thermes construits par l'architecte Peter Zumthor en Suisse. C'est un travail à deux, un pas de deux, une chorégraphie photographique. Ce projet fait suite au livre de Dominique Issermann sur Anne Rohart publié aux éditions Schirmer et Mosel en 1987. Trois respirations, celle de Laetitia Casta dans l'émotion de la découverte, dans l'abandon à l'inconnu, celle de Dominique Issermann qui retient son souffle pour saisir les instants où Laetitia Casta s'inscrit, fugitive, dans le bâtiment, et celle de Peter Zumthor qui respire à travers les murs, les marches, les bassins, les couloirs. Trente-trois photographies enroulées et déroulées, comme on forge une seule image, une image définitive de Laetitia Casta, archétypale, dans une nudité souveraine et libre.

Depuis les années 90, Youssef Nabil construit une ouvre singulière dont la démarche n'a jamais varié. Qu'il photographie ses amis, comme à ses débuts, des stars, ou encore lui-même, il met tout d'abord en scène son sujet avec un travail très précis sur la pose et colorise ensuite, à la main, le tirage noir et blanc. Ses modèles ont ainsi toujours cet air glamour suranné qui n'est pas sans rappeler l'atmosphère des films classiques égyptiens. Pour la Maison Européenne de la Photographie, Youssef Nabil a sélectionné environ 60 ouvres : gros plan épuré sur les visages de Catherine Deneuve et de Marina Abramovic, mise en scène de modèles égyptiens dans des poses cinématographiques, présentation chorale de pêcheurs yéménites anonymes, instantanés de l'artiste face à l'écoulement du temps. Chaque image de soi ou de l'autre met l'accent sur ce qu'il y a d'unique en chacun.

Cette exposition présente la photographie expérimentale des soixante dernières années au Brésil. Elle illustre la faculté de ce pays à absorber et transformer tout apport étranger. Elle reflète également sa très riche histoire politique au cours de ce large demi-siècle et révèle, au fil de labyrinthes complexes, une expression artistique foisonnante qui place aujourd'hui le Brésil parmi les pôles de création artistique majeurs dans le domaine de la photographie. L'exposition s'organise en deux sections, l'une consacrée à la photographie moderniste et l'autre à la photographie contemporaine. Elle regroupe des grands noms tels que Geraldo de Barros, Claudia Andujar, Miguel Rio Branco, Mario Cravo Neto, Vik Muniz ou Cris Bierrenbach.

Depuis des années Claudine Doury photographie sa fille Sasha, elle expose ses images à la galerie particulière. Les photographies sont accompagnées d’un texte de Christian Caujolle.

Oleg Dou est très à la mode actuellement, ses images ont été montrées dans tous les salons récents. Ses dernières oeuvres sont exposée à la galerie RTR à Paris. Oleg Dou se présente ainsi: "Les photographes ne me considèrent pas comme un des leurs, mais les artistes contemporains me détestent autant, pour eux je ne suis pas assez conceptuel".

Embarqué a 16 ans comme mousse sur un bateau, Philippe Calandre sillonne les mers avant de revenir en France pour raison de santé. Bloqué à terre, il trouve dans la photographie un moyen de s’évader par la créativité. Il choisit de faire de la photographie son métier, alternant ses recherches personnelles et son travail de photographe de presse. Pour cette série Fiction Factories, Philippe Calandre a pris comme sujet des usines de ciment. Ces prises de vues d’architectures d’une objectivité totale sont ensuite utilisées comme un matériau pour imaginer et créer de toutes pièces des usines fictives, atemporelles, plus proches des jouets-maquettes que des lieux concrets de production.

Passionné par la photographie depuis son plus jeune âge, Jason Langer étudie à l’université d’état de l’Oregon puis travaille comme assistant et tireur de quelques grands noms de la photographie noir et blanc (Arthur Tress, Michael Kenna …). Ses sujets de prédilection, les villes, la nuit, entre New York et la Nouvelle Orléans.

Un an après l’exposition « Paysages clairs pour des jours sombres », dans cette même Galerie de l’Europe, ce n’est plus à un voyage sur la transparence du monde auquel Francesca Piqueras nous convie avec « L’architecture de l’absence », mais à une plongée dans son démantèlement.

La Maison Européenne de la Photographie présente “Laetitia Casta” par Dominique Issermann. Un livre éponyme, publié aux éditions Xavier Barral, accompagne l’exposition. Pendant trois jours Dominique Issermann a photographié Laetitia Casta, à Vals, dans les Thermes construits par l’architecte Peter Zumthor en Suisse.

Trash [Andy Warhol's Trash] est le deuxième film, d'une trilogie*, écrit et dirigé en 1970 par le cinéaste Paul Morissey associé à Andy Warhol pour la production. Probablement le film le plus original et le plus libre de la présente trilogie, Trash est une icône, un objet-culte reflétant bien le climat de la contre-culture américaine immortalisée par ce fameux cinéma underground New-Yorkais.

Serge Jacques a été le maître de la photographie érotique française des années 50 et 60. Ce que l’on connaît. Ce que l'on connaît moins ce sont ses photos de musiciens de Jazz qu’il fréquentait assidument à cette époque.

La Fondation HCB rendra hommage à deux grands maîtres de la photographie : Henri Cartier-Bresson et Paul Strand. La mise en perspective de leurs travaux sur le Mexique entre 1932 et 1934 sera l’occasion pour le public de découvrir deux visions d’un même pays et surtout deux approches de la photographie.

Les maîtres du désordre met en scène des objets, des costumes, des représentations issus des grandes collections anthropologiques mais aussi des oeuvres d’artistes contemporains dont Annette Messager, Jean-Michel Alberola ou Thomas Hirschhorn.

L’histoire de la peinture de genre française de la fin de l’Ancien Régime jusqu’à la Restauration comme reflet des évolutions du goût, des modes et de la curiosité de la société. Les historiens de l’art américains étudient cette peinture depuis de nombreuses décennies à l’aide des recherches sur la psychanalyse ou le genre. En revanche, il s’agit de la première exposition sur le sujet en France.

La Cité présente une exposition centrée sur le regard des artistes contemporains avec une sélection d’œuvres d’art des collections du Musée, récemment acquises et pour certaines jamais exposées.

L’oeuvre de Marcel Storr est à la fois intrigante dans le détail, époustouflante dans son ensemble. Elle regroupe une soixantaine de dessins de cathédrales et mégapoles imaginaires réalisés clandestinement par un cantonnier du bois de Boulogne, décédé en 1976 dans le plus complet anonymat. Il s’agit sans doute d’une des plus importantes découvertes d’art brut de ces dernières années en France.

Comment photographier les Etats-Unis après les Maîtres du XXème siècle? A cette question obsédante, Jean-Christophe Béchet a adopté le point de vue du visiteur. Ni photoreporter, ni journaliste, il a choisi le parti-pris du marcheur, de celui qui traverse les espaces et suit sa route pour la confronter à sa mémoire et à ses connaissances.

La Pinacothèque de Paris présente un ensemble de cinquante-sept œuvres exceptionnelles qui privilégient la technique du clair-obscur, développée et largement diffusée durant l'Âge d'Or hollandais. Le parcours de l'exposition se concentre sur les scènes de genre et les rapports sociaux entre les différents métiers au XVIIe siècle hollandais et révèle également l'avénement de la bourgeoisie dans le monde des amateurs d'art et des collectionneurs. L'exposition présente aussi des natures mortes et des paysages représentatifs de cette période.

L’humanité a toujours été fascinée par les sociétés secrètes, leurs rites clandestins, savoirs occultes et cercles exclusifs. Historiquement, les sociétés secrètes existent depuis presque aussi longtemps que la société elle-même. Elles désignent aussi bien des groupements de confréries inoffensives que des organisations puissantes animées par une ambition politique et financière. En période de crise, les sociétés secrètes gagnent en visiblité, sans doute parce que les valeurs alternatives qu’elles véhiculent trouvent plus de prise dans un contexte instable.

À travers une sélection exceptionnelle de chefs-d’œuvre de Matisse, provenant des plus prestigieuses collections publiques et privées dans le monde, l’exposition éclaire un aspect singulier de son art: l’exploration répétitive d’un même sujet, d’un même motif, qui permet à l’artiste d’explorer la peinture elle-même. L’exposition montre que, par paires ou par séries, ces ricochets formels à travers des variations de cadre, de dessin, de touche, de couleurs, constituent l’un des traits récurrents du travail de Matisse.

Puisant aux sources des dessins d’enfant, des graffiti, de l’art populaire, Jacques Doucet se livra à l’expérimentation de la forme, explorant la matière et la diversité des techniques. Dépassant l’inspiration des années CoBrA, Doucet continua vers l’abstraction, renouvela sa vision par la pratique du collage, du grattage, des pétrifications, pour mieux revenir à la peinture et aux grands formats. L’exposition présente une soixantaine d’œuvres dont émanent une liberté et une poésie qui témoignent du cheminement de l’artiste, entre travail obstiné et goût pour la spontanéité de la création.